BASIA BATORSKA

Eduardo Lizalde

2015

 

TODOS LOS MARES

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Basia Batorska nació en Polonia en 1933, como ella misma ha contado, en un fastuoso bosque polaco que era prolongación de la legendaria selva negra alemana, parajes en los que vivió con su familia los primeros seis años de su vida. Pero la trágica tormenta mundial, que se desató desde 1939, cuando las tropas hitlerianas invadieron Polonia, arrancó de esos territorios paradisiacos a su familia, que fue deportada al sur de Rusia y donde murieron su padre y su abuela, para emprender con su familia un doloroso exilio hacia Persia y la India.

Finalmente, en 1943, cuando Basia cumplía diez años de edad, viaja a México acompañada de sus parientes, como ocurrió a tantos niños de otras nacionalidades que se refugiaron con sus familias en nuestro país, durante el sangriento conflicto de la segunda Guerra Mundial y, sobre todo, tras la derrota en España de los republicanos que llegaron a estas tierras para sobrevivir a la catástrofe de su patria.

Alojada con sus parientes y coterráneos, en la hacienda de Santa Rosa en Guanajuato hizo los estudios de la escuela elemental, como, ya adulta, ingresó al Tecnológico de Monterrey y emprendió el estudio de Letras y Filosofía, sin abandonar su devoción natural por las artes plásticas.

Disciplinada y estudiosa de la obra de todos los grandes pintores de la historia antigua y moderna, terminó por aplicarse con el auxilio magisterial de expertos artistas y maestros, al aprendizaje formal de las técnicas del grabado y el dibujo.

Larga ha sido ya, desde los años 70, su carrera pictórica, y desde entonces a la fecha ha montado decenas de admirables y celebradas exposiciones personales de su producción y participado en múltiples y destacadas muestras colectivas en numerosas instituciones y galerías de México y otros países (Barcelona, Cracovia, Bucarest, etc., etc.).

Sobre su original trabajo han escrito los más importantes críticos y literatos de nuestro medio, cuya extensa lista debe complementar la información de la modesta presentación que me ha correspondido hacer de esta muestra que hoy se inaugura en la Biblioteca de México: una deslumbrante colección de grabados que Basia ha titulado "Todos los mares", y que corresponde a su cultivo de su devoción por la naturaleza, las formas, las luminosidades y las grandezas de la tierra, los cielos y las criaturas del mundo en que vivimos.

No quiero repetir tanto de lo que con justicia se ha dicho del rigor técnico, la novedad y la belleza de la tarea plástica de Basia, pero sí subrayar (y no soy el primero que lo dice) que no sólo es heredera de los grandes maestros de la historia (como Durero o como Rembrandt) o bien de los predilectos creadores y amantes de la luz del siglo xx; creo que Basia es, en efecto, una maestra suprema del arte del ver, y una artífice del universo cromático y las sutiles formas de su expresión plástica.

 Basia pertenece a los creadores (creo que lo decía el prodigioso Claude Monet) que no pueden pintar sin la protección de la luz natural, ni realizar convincentemente un cuadro si no pertenecen a esa raza privilegiada de los cazadores de luz.

Disfruten ustedes aquí de esta sorprendente colección de mares, que ahora se exhiben en este recinto, en el que saludamos una vez más la gracia, la sensibilidad y el talento de Basia Batorska.

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Francesca Gargallo

1991

LAS CATEDRALES DE BASIA BATORSKA

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Cuando conocí a Basia Batorska, hace un par de años, había visto y oído hablar únicamente de sus gatos, símbolos pictóricos de la domesticidad inacabada, de la femineidad indómita. Pensaba encontrarlos colgados en las paredes de su casa, un acogedor espacio que refleja una búsqueda de luz (una pared entera está recubierta de pedacería de espejos) y de integración a la naturaleza (todas las ventanas se abren sobre el verde de sus plantas). Me encontré, por el contrario, con el mar: verde, imponente, fuerte. La ola se me venía encima desde el grabado en relieve que Basia me enseñaba llamándolo montaña.

No lo dudé ni por un instante, esa fuerza repujada era la ola primigenia que había engendrado a los Balcanes. Al sobrevolar esas montañas hoy tan conflictivas, durante mi infancia, siempre vi una ola que se había solidificado de improviso, un cuadro estático del movimiento del mar. Basia me lo confirmó: "Hay cosas que se confunden: las montañas fueron el fondo del mar. Yo pinto montañas porque son lo que perdura, lo que no cambia, y las llamo catedrales porque en ambas puedes sentarte a escuchar cómo cantan las horas. Pasar el canto de los montes al papel o al grabado es tan imposible que lo intento una y otra vez, es mi obsesión sagrada, la voluntad de sacar en tinta algo que va más allá de lo que existe".

Basia es una anfitriona extraordinaria. Sin desatender un instante a sus visitas, en esa primera ocasión me permitió hurgar entre sus papeles, notar la fuerza de sus líneas, acercarme a paisajes de trazos rápidos, búfalos y caballos, gatos lánguidos, retratos de sus hijos, yerbas, árboles. Basia confirma todas las influencias que puedan reconocérsele. En diferentes etapas de su vida la han impresionado Durero, del cual se enamoró de niña, a primera vista; Rembrandt, que fue para ella una revelación; Monet y los impresionistas de los que aprendió a pintar el mismo monte en estaciones diferentes y en diversas horas del día. Sistemáticamente intentó encontrar el alma de las cosas según las técnicas de los pintores chinos, así como imitar la fuerza del movimiento de Turner. Chagall le llegó muchísimo y Kline con sus mujeres rosas y enormes. Klee la abrió a las maneras no tradicionales de ver la pintura. Afirma, segura de sí: "Para una pintora todo es influencia. Yo soy una esponja que absorbe cuanto hay de fascinante".

Los paisajes, "las catedrales" como les llama, que ahora expone en el Museo Nacional de la Estampa, nacen de la contemplación de la Sierra Madre del noroeste mexicano; sin embargo, contienen un camino más largo, se han plasmado durante dolorosas migraciones, lejanas estepas y colores distintos.

Basia Batorska nació en el norte de Polonia y hasta los seis años recorrió con su padre las florestas en que se encuentran los últimos búfalos europeos, esos enormes bóvidos que los pueblos de la antigua Europa veneraban por ser el símbolo de la Gran Madre. Fue luego deportada junto con su familia hacia el sur de Rusia, donde perdió al padre y a esa abuela que "me enseñó todo, la geografía, la historia de los pueblos y de los animales, el arte romántico que se veía entonces en los museos".

Si de los bosques de Polonia ha conservado la imagen del silencio y de la sombra, del sur de Rusia retiene las distancias, las inmensas bellezas que el ojo percibe al perderse en el horizonte. Pero fue Persia la tierra que le regaló su visión de los colores y lo que para ella es aún más importante, el aprendizaje de la tolerancia.

"De Persia se me han grabado en la memoria los naranjales de lsfahán y la sensación de antigüedad que ese aroma me daba al mezclarse con el de la ciudad. Ahí, a nosotros, los niños harapientos de Polonia, el sha nos abrió las puertas de sus casas y de los jardines imperiales. Aprendí entonces que hay un lado bello hasta en los poderosos; recuerdo a un príncipe que me vio observar una rosa por horas, cuando me distraje fue a cortarla para ofrecérmela. Tuve por primera vez conciencia de que la cultura se expresa en fineza, en ternura. En Persia existía un respeto absoluto para la vida de los niños. Por los colores del bazar de Teherán, que superaban los de Las mil y una noches, era considerado natural que yo pudiera meterme por doquier. Podía hablar con viejos señores que me respetaban contestándome con inteligencia, así como ir a espiar a los derviches que se acostaban sobre camas de clavos y bailaban sobre el fuego. También vi cómo la gente, por el fanatismo religioso, era capaz de pasar de la maravilla a la violencia: fue cuando mataron a los infieles, o sea a la familia armenia de mi maestra".

A los 10 años, cuando llegó a México, bajo ciertos aspectos Basia era una adulta. Ya sabía que la violencia es hija de la falta de felicidad y abogaba por un mundo unido. ¿Acaso los pasaportes no son el símbolo del miedo? Aún hoy rechaza todos los nacionalismos. Según ella, con los niños las personas no esconden sus sentimientos, no los disfrazan, y por haber vivido esa etapa de su vida como refugiada en muchos países, sabe que la ternura, la crueldad y el odio, son los mismos en todo el mundo.

Al llegar a la ciudad de México, Basia se peleó con su madre que la quería comparar con Varsovia. Le dio una sensación de enormidad que no lograba comprender. Luego, esa misma noche, soñó con las pirámides, "tal como eran antes de ser reconstruidas. Estaba encima de un templo y veía los colores del mercado, escuchaba el paso de la gente y sus gritos". México le encantó por sus dimensiones y sus ciudades. Recuerda Guanajuato, Ia mina de La Valenciana, "donde los mineros me bajaban con antorchas y me regalaban piedras".

Desde entonces, pintar es para Basia Batorska su forma de encontrar el equilibrio. En la escuela y en la casa dibujaba, raspaba, pintaba flores, paisajes y retratos. De tal manera, aunque nunca se consideró de antemano una artista, tampoco tuvo que tomar una decisión relativa a su carrera. Ella era una mujer que hacía las cosas sin prisa y que de repente empezó a exponer. Como los grabadores alemanes que le enseñaron la simplicidad del trazo limpio que llega al ojo y a la conciencia occidental, Basia pinta las catedrales más antiguas del mundo, el rezo gótico más puro: sus montañas, las yerbas, los árboles. El único poder que le interesa es el que puede ejercer sobre sí misma: el poder pintar. "El poder sobre los otros es falso, es un ejercicio dictatorial"

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Germán Rodríguez

1989

LA LUZ DE BASIA BATORSKA

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Qué decir de Basia Batorska y de su pintura. Acaso que sigue siempre deslumbrándonos con sus esplendentes juegos de luces, con su incesante comunión con el alma de las cosas, con esa conjugación en que la forma es tan sólo un pretexto para evidenciar la fuerza interior de los paisajes, los objetos o las personas. En muchos sentidos, Basia y su obra son esencialmente luminosas, un binomio indisoluble y nítido que conjura a las sombras del misterio.

Recientemente, en la Galería del Centro Cultural la Torre de Polanco, Basia Batorska presentó su exposición que titula "Las montañas épicas", nombre que tomó de los sonetos que escribiera el ilustre Manuel José Othón cuando conoció los extraordinarios parajes de la Sierra Madre cercanos a Monterrey.

Basia, como una fotógrafa de auras, o de la chispa que anima a los seres, tomó sus lienzos y pinceles para dibujar ante nuestros ojos esas épicas montañas que, al decir de Othón, y parafraseándolo, se apoderan con asombro de la mente y hacen que en los nervios y en los músculos se sienta "circular el pavor de lo divino"...

Y en efecto: al contemplar los cuadros de Basia un sentimiento místico nos invade: hay algo en ellos que va más allá de la perfección artística, de la trama cromática e incluso de los paisajes re-tratados; es como si, al vislumbrar la luz que emanan, uno mismo comenzara a difuminarse en vapores fluorescentes o súbitos resplandores, como si repentinamente la materia se desintegrara en alaridos de luz y lágrimas de calor y ensoñaciones de color.

Sus pictóricas montañas son tan poderosas que, por algo, José Luis Cuevas, en una bella carta dirigida a la pintora, describe que, incluso cuando los cuadros que integrarían la exposición ya no estaban en su estudio, su presencia persistió como la evocación que nos producen los paisajes que alguna vez miramos impresionados, sea al estar frente a ellos o al pasar, fugaces, a bordo de un tren panorámico. Tal, la fuerza y además el influjo de Basia.

Basia Batorska nació en Polonia pero tiene muchos años de residir en México, país al que ha adoptado como suyo, al grado de considerarse ella misma mexicana de alma. Sobre su quehacer han escrito numerosos y notables ensayistas, críticos y hasta poetas que se han sentido fascinados ante su obra. Cabe mencionar que su reciente exposición, independientemente del reconocimiento que ha obtenido, logró reunir en la noche de inauguración lo mismo a jóvenes entusiastas de su pintura, que a personajes ilustres como Octavio Paz, Fernando Solana, Gabriel Zaid, Verónica Volkow, Hellen Bickham (otra pintora notable), Soledad Jara, Raúl Zendejas, Manuel Ulacia, Julieta Campos, Horácio Costa, Alejandro Rossi, Enrique Krauze, Manuel Felguérez, Mercedes Oteyza, Jorge Kanahuati, Ulalume y Teodoro González de León, por sólo citar algunos nombres.

Y es que Basia, con su indudable talento y maestría, y con su tangible calidad humana, ha sabido conquistar a quienes, desde que entrarnos en contacto con ella y su pintura, nos hemos convertido en algo así como palomas de San Juan que bebemos de su luz, metamorfoseándonos al instante en ser-es luminiscentes.

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Gonzalo Vélez

2015

LOS MARES DE BASIA BATORSKA

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Los mares interiores producen sensaciones que no atinamos a nombrar. Concebimos sin embargo, a contracorriente, nombres para describir, o intentar asir, aquello que sentimos y que luego intentamos vanamente constreñir a nuestro léxico. Así nos sentimos seguros de poder decir amor, o felicidad, o desasosiego, creyendo que nombramos algo cuando no sabemos de manera cabal a qué nos referimos. En realidad, acaso, nombraríamos lo mismo si a nuestros estados emocionales los llamáramos, por ejemplo, Mar de la Fecundidad, Mar de la Tranquilidad u Océano de las Tormentas.

Todos los mares, la exposición de la obra reciente de Basia Batorska, parece estar en sintonía con esta cavilación. Aquí la artista eligió los nombres de los mares de la Luna para titular sus cuadros y otorgarle, además de la unidad formal, un sentido conceptual unitario a toda la serie, si bien, como sucede con el abstraccionismo lírico cuando su informalismo consigue verdaderamente capturar una sensación, las piezas de Basia invitan antes que nada a contemplar, a percibir más allá, o más acá, de la racionalidad.

La mirada del espectador es conducida así en estas piezas por los ritmos ondulantes, por las inusuales texturas de las composiciones, donde lo que confiere en cada caso carácter a las obras es el trazo gestual, no desbordado a la exclamación expresionista, sino como una afirmación visual, templada con el dominio de la intención, y una consumada alquimia de los materiales plásticos. Es, entonces, un disfrute apreciar esas calidades que parecen de intaglio, o a veces de encáustica, o a veces de trazos de dedos, que terminan haciéndonos preguntarnos cuál es la fórmula, cómo consiguió aplicar de ese modo la pintura.

Luego, llama especialmente la atención el procedimiento. Quienes nos dedicamos simplemente a observar, y acaso a reflexionar, quedamos un tanto marginados de lo que puede captar un artista plástico que se dedica de lleno con el mismo gusto que Basia a la cocina de la pintura, y que entiende cabalmente la dificultad técnica de conseguir esas calidades, pero también, en carne propia, el disfrute sensorial de trabajar con las manos embarradas de plastas, el olor de los colores, el gusto por la factura que deja siempre en la obra una huella perceptible al ojo avizor, una especie de sonrisa matérica.

Cuando un artista se sale un poco de las restricciones de una técnica pura, por ejemplo cuando combina técnicas, lo que se suele poner en la ficha museográfica es el ambiguo: "técnica mixta". Basia Batorska, en cambio, revela con toda precisión que sus obras fueron realizadas en: Placa de madera con relieves trazados sobre una capa de acrílico. Entintado con varias manos de pintura al óleo aplicadas simultáneamente. Una sola impresión sobre papel Fabriano 21 húmedo. A pesar de tan largo tecnicismo, las piezas son propiamente monotipias, es decir, el procedimiento parte del grabado, o de la estampa, pero el artista aplica su propia receta sobre la placa con el fin de lograr una pieza única —lo que ubica a la obra en realidad más cerca de la pintura que de la múltiple reproductibilidad de la gráfica.

La receta de Basia Batorska, como se ve fácilmente, proviene de muchas largas horas de laboratorio en el taller; es fruto de un experimentado conocimiento de los materiales con los que trabaja, de saber cómo actúa un pigmento sobre este o el otro aglutinante, cómo reaccionan los aceites de las pinturas a nivel químico, qué se necesita para que al levantar el papel, y luego de secarse, las texturas queden justo así.

Lo que nos preparó en esta ocasión fueron Todos los mares. Mares lunares, según sus nombres; mares de sensaciones visuales, según sus efectos. Estos mares de Basia Batorska a veces son como olas formadas por trazos en círculos: olas que avanzan en un trozo de océano, o que se alzan dramáticas si el formato es vertical, como si fueran una pared líquida; otros mares son sosegados, fluyen como los caireles de una cascada; otros son una sucesión de franjas gestuales, más o menos paralelas, que remiten a lo ondulado de la superficie del agua cuando sopla sostenida una brisa fuerte; en otros más se forman como volutas de espumas cromáticas. Y a veces, incluso, el color rebasa la placa, cual si una ola se hubiese desbordado hasta la playa de papel.

Cuando navegamos por la idea de mar, cuando tomamos los catalejos para mirar nuestros mares interiores, siempre los mismos pero nunca iguales, aprendemos después de un tiempo a reconocer su estado, su carácter en un determinado momento. Luego creemos que si aprendemos a leer así el ánimo del mar, entonces podremos saber dónde nos encontramos, y acaso controlarlo. Y esto nos trae de nuevo a nuestra propensión a nombrar. Basia Batorska eligió para su cartografía los nombres en latín con que fueron bautizados los mares de la Luna. De este modo parece tomar una distancia analítica, pero en realidad se trata de un guiño: esta serie de estupendas imágenes rítmicas, evocadoras, nos sugiere que somos embarcaciones al azar atravesando el Oceanum lncognitum de la vida, y que lo que percibimos a nuestro alrededor son, nada más, y nada menos, todos los mares.

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Horácio Costa

1991

HIBRIDEZ, PARADOJA

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Observemos bien estas imágenes. ¿Qué nos recuerdan? Paisajes panorámicos y paisajes mínimos: montañas y sierras lejanas, tectonismos selenitas, alturas del Himalaya, mapas de regiones no del todo familiares y no del todo ajenas. Pero también nos recuerdan detalles orgánicos con los que estamos habituados en nuestra vida diaria --la impresión que deja la marea que baja sobre la superficie plana de la arena, pasos arrastrados sobre el fango, un cuerpo que perezosamente abandona las sábanas, el perfil de un gesto cotidiano, el silencioso fluir del torrente por un cauce--. Relieves máximos e ínfimos; microscopías que son también visiones de conjunto; relieves reconocidos (o reconocibles) y al mismo tiempo extraños, no descodificables.

Las imágenes que Basia creó para esta exposición se caracterizan por esa especie de "temblor" interpretativo, por esta hesitación fundamental. Dejemos de lado la interrogante sobre si ellas son "abstractas" o "figurativas". Antes de hablar de su estilo, palabra ya bastante vacía de contenido en nuestros días, consideremos algo básico: el lenguaje.

La forma de producir estas imágenes está dada por la técnica del grabado, el cual, como todos sabemos, es caracterizado por la reproducción serial. Sin embargo, Basia crea objetos no repetibles en serie: a sus "grabados", si se los puede llamar así, les singulariza la no-reproductibilidad, la individualidad. Gracias a las pequeñas intervenciones de color que la artista hace sobre cada uno de ellos en el momento mismo de la impresión, cada cual se presenta como una imagen específica, resuelta en su cromatismo particular. En pocas palabras, el lenguaje empleado por la artista se sobrepone --en el sentido literal y en el figurado-- a la técnica utilizada para la producción de sus "grabados".

Así, al problema de la lectura, o de la interpretación (¿que "quieren decir" estas imágenes que se deslizan entre registros visuales que van de lo macro a lo micro simultáneamente?), o aún al del estilo (¿son "abstractas" o "figurativas"?), se suma otro, de género: si son o no grabados, caracterización que cambia conforme consideremos la técnica empleada o el lenguaje que se utiliza de esta técnica para proponérsenos en su especificidad.

En todo y por todo, una noción me viene a la cabeza, la de hibridez, a la que se suma otra: la de paradoja. Imágenes ni panorámicas ni microscópicas, sino más bien ambas cosas a la vez; imágenes que no pertenecen a los campos semánticos ni de lo abstracto ni de lo figurativo, sino más bien a una mezcla de ambos al mismo tiempo; grabados que no lo son sin dejar de serlo.

En la presente muestra, Basia Batorska nos ofrece imágenes híbridas, paradójicas, que reclaman el estatuto de la hibridez y de la paradoja como su interpretación posible. Porque son, por todo y en todo, representaciones afinadas con la sensibilidad desimplificadora de la época, compleja, tan compleja, que vivimos.

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Javier Aranda Luna

LA SIERRA INCANDESCENTE

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De niña conoció el hambre y el destierro, la. trashumancia por países extraños y lenguas incomprensibles. Pero el hecho que marcó su destino fue otro.

A los 9 años, Basia Batorska descubrió que, al igual que las líneas de su mano, el dibujo le permitía construir y llevar consigo el mundo que quería. Con el pretexto de su exposición “La sierra incandescente”, actualmente en la Galería del IFAL, nos acercamos a la artista.

¿Cómo te nació el interés por la pintura?

Recuerdo que de niña pintaba las paredes de mi casa, naturalmente con graves consecuencias. También dibujaba en la tierra, cosa muy agradable porque la lluvia formaba parte del proceso: ella borraba mis dibujos y al día siguiente podía volver a dibujar. Como eran tiempos difíciles, sólo contaba para ir a la escuela con un cuaderno y un lápiz. Nada de colores ni de apoyo especial para desarrollar tu talento. Ir a la escuela unas cuantas horas era lo único que podía hacer.

Me hablas de una época en que eras una niña.

Sí, cuando pintaba las paredes tendría 3 ó 4 años; y 7, lo recuerdo bien, cuando dibujaba en mi cuaderno a mis amigas, el águila polaca, flores y cosas de ésas.

En una charla con Bertha Cuevas dijiste que te impresionó mucho conocer a Durero porque en sus grabados encontraste cosas tan sencillas como la hierba.

Te diré por qué me impresionó: de pequeña acostumbraba ir a los museos con mi abuela. Allí había grandes pinturas románticas e históricas: reyes, reinas, batallas, caballos. En esos recorridos nunca vi una pintura con conejo o con hierba, como que no eran asuntos importantes. Pues bien, un día el director de la escuela montó una exposición con reproducciones de grabados. En esa muestra descubrí a Durero, a quien le interesaban las cosas sencillas como la hierba. Gracias a él me di cuenta de que pintar o dibujar era como tomar lo que tenías a la vista; que el dibujo te permitía apropiarte de lo que te gustaba y que para dedicarte a él no necesitabas recurrir a temas heroicos. A los 9 años, podía admirar un cuadro en el que aparecía Nerón tocando la lira mientras ardía Roma, pero ese tipo de temas me abrumaban.

Supongo que te interesaste en la naturaleza porque, literalmente, creciste en un bosque.

Es cierto. Nací en una de las más viejas selvas de Polonia. Similar, según algunos, a la Selva Negra. Me refiero a la selva de Bialowieza, donde viven los últimos bisontes. Mi padre era ingeniero forestal y estaba a cargo de la mitad de esa selva. A veces lo acompañaba. Esos viajes estaban llenos de misterio: me enseñaba árboles de mil años, veredas, animales y los lugares donde comían los osos. En invierno llevábamos heno para alimentar a los venados y en Navidad escogíamos el árbol para la casa. Vivía en un verdadero paraíso.

Pero llegaron los años difíciles.

Sí, llegó la guerra, desapareció el paraíso y fuimos a Rusia. Allí estuvimos en los maravillosos Montes Urales. Eran altísimos y azules como los bosques.

Es curioso: todas tus referencias biográficas tienen que ver con el paisaje.

¡Claro! Las montañas que ahora pinto son en cierta forma una evocación de las que vi de niña: los Cárpatos, cuando iba con mi abuela de vacaciones, la cordillera de Uzbekistán que se une con los Himalayas y posteriormente la Sierra Madre que tenemos en México; la de Monterrey. Todas esas montañas son parte de mi vida.

Todas esas montañas están en “La sierra incandescente”...

Totalmente. Por ello podrías considerar esta serie como autobiográfica.

Podríamos llamarla autobiográfica los que conocemos algo de. tu vida. Quienes no conocen tu pasado podrán encontrar en esta muestra tu gusto por las montañas, por un olivo, por cierto tipo de luz.

Hay una 'teoría que señala que siempre repetimos los entornos donde nacimos. Te daré un ejemplo en apoyo de esa teoría: el gran escritor Gabriel García Márquez nació en un lugar selvático de Colombia. Y su escritura es preciosa no sólo por la eficacia literaria, sino porque recoge el misterio de ese entorno donde los árboles, los ríos y la gente, en ciertos momentos, son lo mismo. Eso es fascinante.

Tus paisajes que a veces parecen metafísicos son constancia de lo vivido. Me llama la atención que ese recuento recuperación personal emocione a otros.

Mi deseo profundo al pintar es dar, poner en el lienzo algo de lo que siento.

¿Y cómo sabes cuando ya lograste eso?

Mira ese cuadro lleno de morados, lilas, verdes, claroscuros. Puede tratarse de un amanecer. Con los colores me interesaba hacer sentir el frío de ese lugar. Yo siento frío, ese frío, que al salir el sol, con su calor lo recrudece un poco más. Intenté que quien mirara el cuadro sintiera el viento frío y lo escuchara cantar en las cañadas. Cuando pinté el sureste mexicano quise que se escucharan los grillos o el chillido dé los monos. Esa fue, por lo menos, mi intención. Aspiro a que mis cuadros te provoquen ese tipo de cosas.

Según Salvador Elizondo, tu. pintura es diáfana y concreta. Creo que tiene razón porque una constancia de toda tu obra es precisamente la luz. Te haré una pregunta boba: ¿Por qué te interesa tanto la luz?

Monet ha tenido gran influencia en mi trabajo. ¿Recuerdas las catedrales que pintó y volvió a pintar? Esos trabajos me impresionaron mucho. Su trabajo con la luz me estimuló para pintar las montañas de Monterrey: pintaba la misma montaña al amanecer, al mediodía, al atardecer y cuando entraba la noche. Esos estudios me permitieron ver los cambios de la luz. Después hice lo mismo con una vereda de los viveros de Coyoacán: durante un mes, de ocho a tres de la tarde, me dediqué a pintarla para estudiar los cambios de la luz. Esos cambios me transformaron la visión y la perspectiva de las cosas.

Y, ¿cómo decides cuál es la luz que más conviene a uno de tus cuadros? Te lo pregunto porque estoy seguro que los pintores ven las cosas de una manera muy distinta al común de los hombres. Ustedes ven cosas que nosotros no percibimos.

Creo que si no ves la luz que yo miro se debe simplemente a los ejercicios de luz que hago. Imagino que si hicieras lo mismo podrías ver como yo. Podrías distinguir un amanecer de verano de luz roja que se torna dorada a las ocho de la mañana y es casi blanca al mediodía. Fíjate que cuando fui a exponer unos cuadros a Polonia vi que la luz a veces era lila, una luz que me pareció muy tranquila y muy profunda, quizá porque allá existen muchísimos bosques. Es una luz muy distinta a la de la Ciudad de México y naturalmente a la de Monterrey, que me parece increíble. No es un capricho que en esta exposición pinte montañas rojas: lo son durante la canícula.

Me admira que seas capaz de recoger esa luz oscura de tu natal Polonia y la de lugares muy abiertos como la luz de Monterrey.

Bueno, ahora ya no he pintado la luz de mi infancia, aquella luz verde, morada, guinda, misteriosa. La luz de los cuadros de La sierra incandescente es violenta, abierta, llena de vida, poderosa y, algunas veces, casi asesina. La luz de Monterrey es corno su gente: abierta, fuerte, vigorosa.

En ocasiones, me da la impresión que tus montañas y tus valles son personajes.

La Sierra Madre siempre me ha parecido un personaje.

Generalmente trabajas series: hiciste una de caballos, otra de gatos que entusiasmó a José de la Colina y ahora las montañas, ¿por qué las series?

No sé, parece una obsesión. Los temas me lo piden y de pronto sólo pinto gatos o montañas hasta que termino. Desde 1975 he hecho series sobre las montañas. Primero, una serie titulada “La buena tierra”, después otra que llamé “Las catedrales”. Y aunque el tema es el mismo, las montañas cambian porque yo cambio. Hago series porque no sé hacer otra cosa.

¿Recurres a las series para agotar un tema?

Para agotarlo por el momento, porque puedo retornarlo después.

¿Y cómo escoges los temas de .una serie?

No sé. Simplemente porque me entusiasman. Cuando empiezo una serie me emociona ver cómo se transforman las ideas de un cuaderno llevadas a la tela.

¿Tomas apuntes?

Si, generalmente, tomo muchos apuntes: primero un apunte chico en blanco y negro en una hoja; después hago una acuarela un poco más grande; luego otra o un pastel en una hoja de fabriano; posteriormente, trabajo en acrílico sobre papel, y al final trabajo en la tela. Yo no puedo trabajar a la primera impresión. Cuando me ves pintar en una tela es porque ya estudié el tema en dibujo, en acuarela, en pastel, en óleo o en acrílico. Paso por varias etapas para llegar al cuadro final.

Y cómo sabes que el cuadro que pintas es el último, que no se trata de otro estudio.

Eso es un misterio. Un gran pintor dijo que dejar de pintar un cuadro es todo un arte.

Pues de veras es un misterio. ¿Cómo supiste, por ejemplo, que la luz de esta montaña roja era la que querías?

No sé. Cuando estoy por concluir un cuadro procuro tenerlo frente a mí el mayor tiempo posible. Lo miro mientras desayuno, mientras como, mientras trabajo en otras cosas. En ese lapso puedo cambiar algo o, si me satisface, darlo por concluido. Si lo veo y reveo es para buscar sus fallas; algunas veces puedo corregirlas y otras he terminado por desechar el cuadro.

Me gustaría insistirte en la pintura como constancia de vida, como ejercicio de memoria.

Recuerdo que cuando viajé a Samarcanda tenía la idea de que era una gran ciudad. Pero al llegar a la periferia me encontré las mismas casitas que tenemos en México, y al mismo señor sentado en cuclillas vendiendo melones en medio de un caserío de adobe. Viajé miles de kilómetros para darme cuenta de que las cosas que me interesaban son las mismas aquí y en cualquier parte. No creo que podamos inventar algo. Llegamos siempre a lo que en cierta forma conocemos.

Si nos atenemos a tu obra, tu memoria es geográfica y botánica principalmente. No encuentro en ella ese pasado difícil cuando fueron expulsados de Polonia tú y tus padres.

No está, para qué. Qué ganamos viendo la tristeza. Yo respeto la protesta de la gente, pero no puedo pintar el dolor. Prefiero pintar la alegría de vivir, de ver, de tocar, de caminar a través de la memoria.; A mí pintar me divierte. Es de una enorme concentración, pero no de sufrimiento; me encanta. Si sufriera no pintaría.

¿Nunca te interesaron los temas de la pintura mural mexicana?

No. Admiro a los grandes muralistas, pero no me interesa pintar murales. Mi interés es otro: la pintura de caballete con temas como gatos, caballos, ajolotes, paisajes.

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Jorge Juan Crespo de la Serna
1974

MAGNÍFICA SELECCIÓN

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Una bella y fina joven de ascendencia polaca —Basia—, que hace luengos años vive entre nosotros, exhibe en el Instituto Francés de América Latina una magnífica selección de sus grabados, con el título de “Cuerpos celestes”. Naturalmente, las formas tienen perfiles que las identifican, como algún círculo apenas vislumbrado entre nubes y masas flotantes, que (se adivina) están en momentos de fragmentación preparatoria de inevitables metástasis de transformación.

Lo que descuella en casi todos los temas o variantes de una visión en serie de lo cósmico, es sin duda el valor concedido al espacio. Está tratado en estos grabados como una entidad lógica, como un refugio, como un hecho complementario que atestigua existencias; al propio tiempo, exige y llama a los accidentes del cosmos a que pertenece, para unirse a ellos, o rechazarlos si la fenomenología meteorológica interviene en su destino. Espacio sideral, entes side­rales: he aquí el mundo misterioso, compacto y fluido a la vez, que el corazón y la mente de esta artista ha concebido y hecho concreto, como un conjunto de signos y símbolos que sobrecogen al espectador de esta era cósmica.

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José de la Colina

1982

DIGAN LO QUE DIGAN

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filósofos y poetas, un gato no es todos los gatos. Un gato no es igual a otro gato. Pero aquí no se detiene el prodigio. Tal vez se sabe menos que no existe un instante de gato igual a otro instante de gato. ¿Será que el gato sólo pertenece al Tiempo, y no también al Espacio?

lnasible, el gato. Se diría que fluye de uno en otro instante. Por eso las momias felinas de los hipogeos egipcios son aun más blasfemas que las momias humanas. En el pecado, la penitencia: nadie ha logrado dibujar, pintar, esculpir al gato. Pura música silenciosa, el gato. Con este o aquel pelaje.

Basia lo sabe, sabia Basia, y en lugar de dibujar o pintar gatos. dibuja o pinta instantes de gatos, los mil y uno e infinitamente más momentos de todos los gatos que han consentido en pasar y posar ante los claros ojos de la artista.

Instantes gatos o gatos instantes de color sol o color agua o color tornasol o color tornagua. Los minutos o segundos de gato transcurren a través de los colores y las líneas. Como la catedral de Monet. Porque, por ejemplo, un gato sentado tiene algo de catedral, más la mirada del gato o la mirada gato.

Río de gatos, aquí. Fugacidad de los gatos. Los gatos eternos tal como en ellos mismos lo efímero los convierte.

Nadie se ha mirado dos veces en los ojos del mismo gato. Basia lo sabe. Mira a ese gato que en el abrir y cerrar de ojos ya es otro gato, ningún gato, todos los gatos.

El gato fluye de fuera hacia adentro, de adentro hacia afuera, en los ojos de Basia, en nuestros ojos, en los ojos del gato.

Un minuto de gato es una alegría forever.

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José Luis Cuevas

1988

LOS PAISAJES DE BASIA

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La pintora Basia toma el tren El Regiomontano que se detiene entre Monterrey y Saltillo, en plena Sierra Madre del Norte, lo que le permite hacer anotaciones en su libreta de dibujo. Después, ya en su estudio de la ciudad de México, éstas, le servirán para pintar al óleo sus sorprendentes paisajes.

Hoy los he visto por primera vez. Me los dejó por la mañana y cuando entré en mi estudio me creí situado en uno de los asientos del ferrocarril contemplando lo que Basia miró, anotó y después pintó. Sin embargo no podría hablarse de paisajes estrictamente realistas. Hay algo onírico en ellos que nos lleva a pensar que la pintora después de haber hecho sus apuntes en el tren se quedó dormida y los paisajes aparecieron en sus sueños. Esto sería lo que después pintó: lo visto y lo soñado.

Así sucede con frecuencia en muchos artistas. Cuando pintamos algo que de pronto evocamos, no sabemos si fue algo real o soñado. A mí me sucede incluso cuando escribo mis memorias. Frente a la máquina de escribir, recuerdo un hecho y lo escribo. Después se dirá que soy fantasioso y entonces se siembra en mí la duda, si lo relatado fue por mí vivido o soñado. Después de todo qué importa. Lo mismo da.

La contemplación de los cuadros de Basia me han dejado en un estado de asombro. Se apodera de mí la impresión de lo ya visto. Pero yo nunca he viajado en El Regiomontano para detenerme en la Sierra Madre del Norte. Por consiguiente, no he contemplado lo que Basia vio y anotó. Lo que sí es probable es que en alguno de mis sueños, hayan, aparecido estos paisajes, los que posiblemente Basia también soñó.

Los cuadros de Basia ya no están en mi estudio pues fueron recogidos por ella hoy por la tarde. Sin embargo sus paisajes persisten en mi memoria. Cierro los ojos y me veo inmerso en ellos. Soy un habitante solitario en medio de esa naturaleza agreste. Estoy soñando. Cuando despierte, me hago el propósito, compraré un boleto para viajar en el tren El Regiomontano, pidiendo se detenga entre Monterrey y Saltillo, en plena Sierra Madre del Norte.

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Juan García Ponce

1972

ECOS INFINITOS

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Se trata de crear una superficie y hacer aparecer sobre ella, en ella, determinándola, definiéndola, todos los incidentes para que éstos encierren y exterioricen el sentido de la creación. Extendidos, aparecidos, del silencio del papel blanco, los sutiles, trabajados, grabados de Basia no son nada más.

Y, una vez dichas estas primeras palabras, no habría que decir otra cosa, si no fuera porque, a partir de su existencia como un campo magnético sobre el silencio del papel, son ellos —los grabados—, es ella —Basia—, los que con una sola voz, la voz única del arte, se ponen a hablar.

Entonces tenemos que ponernos a escuchar ese rumor ininterrumpido que va de una obra a otra, que no tiene origen sino que aparece de pronto y continuamente se mueve, que nos dice de monumentos minerales y bosques petrificados, de animales mínimos y formas astrales.

¿Todo eso forma los grabados de Basia? Tal vez no. Todo eso está en los grabados de Basia, convertido en forma, encerrado en la superficie que los constituye y animando esa superficie. Pero cuando el artista encuentra a la forma, la voz que se pone en movimiento tiene ecos infinitos.

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Julieta Campos
1985

BASIA EN TABASCO

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Yo creo que la alegría es la emoción generadora en el arte de Basia Batorska. Basia goza el mundo y el mundo le devuelve su amor y se le entrega dócil y enamorado.

En el espejo de sus acuarelas, lo que ha mirado queda prendido en el trazo que capta las formas o en el color que, iluminado, dice el tono, la intensidad o la ligereza con que las cosas son. Prevalece en los óleos la densa presencia de colores fundamentales. En los grabados, plantas y animales se recrean en tensión de volúmenes, de texturas, de líneas y de color de tal manera que algo de su naturaleza se acentúa, madura y cristaliza.

Parecería iluso buscar matices cuando la luz es tan rotunda y avasalladora como en Tabasco, pero su ojo tan fino, tan entrenado, detecta la interioridad del paisaje trabajado por la luz, diverso de sí mismo a cada instante. Lo que nos devuelve es a la vez familiar y desconocido, porque nos enseña su cara oculta, su ser otro, que no le habíamos descubierto.

Yo conocí así un tamarindo que durante meses había mirado, sin saber verlo, frente a la ventana de una escalera que bajo todas las mañanas. Hasta que Basia me regaló su imagen, en acuarela sobre papel, y supe que era, que podía ser por momentos, amarillo y que, cuando se volvía amarillo, alcanzaba la esencia de su ser tamarindo.

Conocí la tormenta, que no es más que la regresión del paisaje a un estadio anterior, cuando todavía no se individualizaban las diversas manifestaciones de la vida y todo se confundía en una simbiosis preñada de vaticinios. Y conocí mi patio, tenue ternura del verde húmedo de helechos casi acuáticos: acuario vegetal transido de un leve resplandor vagamente dorado.

Flores, árboles, follaje, frondas de Tabasco le han despertado a Basia, en nuestro trópico a la vez despiadado y pródigo, sensaciones que reaniman otras, remotas en su memoria, vividas entre abedules y frondas septentrionales, allá en la Bialowieza de su infancia polaca.

Su padre, ingeniero forestal, estaba a cargo del bosque donde habitan, entre árboles que han conocido el paso de los siglos, los últimos bisontes europeos. No es extraño que nuestra cálida, envolvente, naturaleza le haya reintegrado con creces aquel perdido paraíso.

Esperaba encontrar en los óleos pintados por Basia en Tabasco la luz del cenit, cuando el sol se apodera del espacio y el tiempo queda en suspenso, como si ya para siempre fuera a ser mediodía. Pero la luz de estos óleos es más nocturna o, más bien, está cargada de la humedad umbrosa de la selva, de los sitios recónditos donde la luminosidad es otra y pesa, como de plomo, el tiempo que se cuenta por milenios. Aún la luz brutal que envuelve los templos de Comalcalco tiene ese peso y el sitio adquiere una extraña y casi sobrecogedora presencia, arcaica y alucinante.

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Luis Carlos Emerich

1987

LAS COSAS VIVAS

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Basia Batorska contempla y plasma una y otra vez los objetos vivos para entender cómo se modifica por sí misma la materia y cómo las variaciones de la luz y el ánimo multiplican el misterio de su ser recóndito hasta tornarse insólito.

La transformación de su apariencia física implica la existencia de una fuerza infinita de cierto, con un potencial expresivo incierto, pero, de hecho, bello. La flor, las hojas un árbol, un conjunto de arbustos, luego las montañas, la atmósfera clara o turbia, un río, son los motivos físicos siempre presentes, siempre inadvertidos, que contienen el mayor misterio digno de explorarse: la infinidad de la naturaleza y la nimiedad de los objetos en que está contenida.

Las cosas no terminan en sus confines reales, son puntas de icebergs que guardan bajo el nivel de la conciencia física de ellas la complejidad monumental del mundo, visto éste como continente del espíritu. Y éste es el tema de la búsqueda de la pintora polaca Basia Batorska, mexicana desde hace mucho tiempo, en un campo que, genéricamente, podría confundirse con el de la naturaleza muerta o el paisaje, o con tendencias pictóricas como el automatismo impresionista de la sola contemplación de éstas, hacia una definición personal del misterio que encierra el propio fenómeno creativo en general, y el plástico en particular.

La infinidad de lo pequeño

La amplísima obra de pequeños cuadros de Basia Batorska sorprende porque señala, como por vez primera, lo señalado y significado tantas veces, de refilón, por el arte occidental en sus detalles accesorios o ambientales que rodean al «motivo plástico» principal, pero que las caligrafías china y japonesa han mostrado que al sondearlo se plantea un misterio; y éste un misterio mayor, y así hasta aclarar que el artista encuentra su realización plena como ser humano y descubridor en el proceso mismo del descubrimiento, más que en la misma obra concluida, ya que ésta, en última instancia, sería prescindible por ser sólo señal de lo obrado realmente en el espíritu del artista. Para Basia, la obra está expuesta en el momento de su conclusión, sin necesidad de llegar a las galerías.

De los calígrafos, Basia ha asimilado a su experiencia el hecho de que el pintor es sólo un puente sensible entre la Naturaleza (con mayúscula) y la naturaleza de la expresión plástica, como signo de su infinidad. Ha ejercitado la automatización del trazo del pincel o la pluma hasta hacerlo vehículo de transmisión directa de contenidos sintetizados; asimismo, la capacidad de abstracción y rememoración de vivencias de los objetos que las estimularon. Así, un árbol puede serlo a la vista, pero transfigurarse al sentido.

Cien veces el mismo árbol

No es raro (mejor, es muy significativo) que la obra pictórica de Basia esté compuesta por, largas series de cuadros (que otros pintores llamarían bocetos), donde se observa y rememora luego cien veces un solo motivo, por ejemplo, un árbol, el agua, donde sentimos el proceso de sintetización y purificación hasta llegar a la verdad visual única, donde lo físico apoya las flexiones espirituales.

Así que la obra completa es una larga, sutil secuencia cuyo primer placer sería el ritmo de las transfiguraciones del objeto en su esencial presencia. Y para esto se van obteniendo gradualmente las correspondencias de los materiales empleados (sean óleo, acuarela, tinta, lápiz) hasta extraerles las calidades consistentes con la materia que van a animar. Las fluctuaciones del «ser» plástico del objeto, lo son también cromáticas y lineales, disolvencias y ritmos de acentos que conforman el verdadero «objeto», que es la interioridad de la artista. En cada paso hacia una verdad, en cada cuadro, se ahonda en el conocimiento de las formas, a la vez que en las sensaciones que despiertan y revelan las calidades del ser humano.

Si lo contemplado y revivido son las aguas del río y su posible unión con el cielo, la abstracción de sus riberas (su virtual línea de unión en el plano del cuadro y el anímico) será el verdadero motivo plástico, el señalamiento visual de que todo está hecho de una sola materia universal que se diversifica por mero accidente. Cielo y tierra, vegetación y fauna, hombre y luz, son una y sola materia viva en perpetuo movimiento, infinitamente rica en mutaciones.

Para Basia Batorska el paisaje grande o una simple flor tendrían que ser esto, si no, no tendría por qué buscarse más pies a sus gatos, perros, toros, caballos y mucho menos explicarse por qué el curso de la luz del día hace de un solo árbol, cien; de una sola flor, mil.

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Manuel Ulacia

1989

LAS MONTAÑAS DE BASIA BATORSKA

Mi amado, las montañas,
los valles solitarios nemorosos,
las ínsulas extrañas,
los ríos sonorosos,
el silbo de los aires amorosos,
                   San Juan de la Cruz

Con el mismo título de los tres sonetos que escribió Manuel José. Othón después de visitar la Sierra Madre del Norte en las cercanías de Monterrey, “Montañas épicas”, Basia Batorska nombró la exposición que celebró el año pasado en la Galería del Centro Cultural Torre Polanco.

El mismo tema, con diferente obra, la artista expone ahora en el Instituto Francés de América Latina. Si las pinturas de la exposición anterior rescataban el instante del crepúsculo o del amanecer en las cumbres regiomontanas, en los cuadros y dibujos que ahora se exhiben, parece expresar el instante de la "Noche oscura" de San Juan de la Cruz.

Recordando los versos del místico castellano, Basia Batorska, en sus óleos en tonos negros y grises, en sus dibujos al carbón, en sus tintas, acrílicos y acuarelas, busca, en la oscuridad, lo inefable, lo indecible. La artista pinta, dibuja e inventa aquel silencio sonoro con el que la divinidad se expresa. En sus cuadros, las altas montañas se levantan desde los valles solitarios conquistando con su presencia el sueño de su rapto. En estas pinturas, en una suerte de metáfora barroca, lo majestuoso de las montañas se contrapone, en claro-oscuro, al detalle en un primer plano, de unos pastizales o de dos o tres moradas.

Las montañas que pinta Basia Batorska son las montañas que la acogieron cuando llegó a Monterrey, después de huir con su madre y su hermana de las persecuciones que vivía Polonia durante la Sequnda Guerra Mundial. De los bosques de Bialowieza —unos de los más antiguos y frondosos de Europa—, Basia Batorska se encontró, a su llegaba, a los nueve años, a México, con el gran desierto y las montañas regiomontanas.

Aquel bosque que la vio nacer y crecer aparece también, una y otra vez, en su producción pictórica. En esta exposición, se presentan además de las obras mencionadas, algunos lienzos con el tema de los árboles de la Selva Negra polaca. Además, la exposición contiene algunos cuadros que Batorska realizó en sus visitas por las selvas mexicanas. Tanto los árboles petrificados en la memoria como la espesa vegetación tropical del país emiten una luz intensa. Desierto y selva, dos geografías vacías, en donde el ser en su plenitud se llena, se presentan ahora en esta muestra.

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Minerva Margarita Villarreal

LUNÁTICA

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Mesetas confundidas con océanos

óvalos y círculos que fijan la oscuridad

la anillan

en esa superficie carcomida por falta de luz

porque el sol no aparece

como si una tatarabuela rota en su abandono

desde sus años

emitiera un rayo de roja intermitencia

un rayo triste

que anida y se transmite sin poderlo ver

un rayo que circunda el diámetro de ese pozo de luna

y alimenta el miedo

en esta soledad de saberse tan lejos

porque el sol no aparece

 

Pero Alguien descubre las planicies

y sus manos irradian

a esos mares desiertos

acariciados aquí

junto a mi cama  

habitados en su nada materia

en su materna nada

en su nada fecunda

en su hoyo

en su nada nunca está muerto

y a nado la mano dobla el agua que no hay

a nado asciende y vuelve

circundando su corriente devastada

 

Tu mano tomada por el sol

embebida del haz

nutricia y bautismal

tu mano

del torrente de agua de la ausencia

se alza

 

Y su voz es un ángel dando luz a la sombra

y tu mano capaz de provocar tempestades aún en el marisma que no hay

de elevar el oleaje

de provocar su fuego

dentro del muro que hace un cráter gigante

inundado de lava

mientras cumbres de miles de metros lo asedian:

catedrales doradas del sueño

inclinadas hacia el crepúsculo ardiente

hechizadas de polvo

alzadas aristas góticas

torres que anhelan luz

  

El mar en ese polvo de cráteres

en sus hoyos vacíos

orificios de una distancia que recorre

el movimiento circular de los cuerpos celestes

y sus bocas inmensas lo pronuncian

Cléomedes

¿donde caerán las islas?

El náufrago no supo navegar

la estación del Mar Crisium que todo lo oscurece

 

Pero esta mano llega a las montañas azules y las torna bermejas

abras suspendidas  

heridas que escurren

sin que el aire

—verde ladera de la memoria—

se deje respirar

como si fuera la primera vez

y la furia empujara sus acantilados

 

Afiebrado monte candente

ígnea piel de magma y sedimento

El ojo llama por las vetas

que luego van mudando de rostro:

animales o dioses o mantos

 

Sentémonos a escuchar el mar que huye

a orillas de la pared celeste

 

Algo va más allá de lo que existe 

                                                                              

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Minerva G. Vacio

1991

LAS CATEDRALES

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Las catedrales góticas representan la expresión más noble en la arquitectura del pensamiento para Basia Batorska, al igual que las montañas y las sierras, ya que son la expresión más ilustre de la naturaleza.

A los montes o sierras los ha llamado catedrales porque el tiempo ha transcurrido sobre ellos sin mancillarlos, por su permanencia y porque siempre han existido.

"Con esta exposición, el Museo Nacional de la Estampa concluye su ciclo de actividades en el presente año y cinco años de labor constante", anunció Beatriz Vidal. Sobre la obra de Basia Batorska, la directora del museo manifestó su admiración por la pintora y la consideró una maestra de la gráfica por su percepción y destreza", "aunque ella no lo quiera reconocer", admitió.

Basia Batorska lleva muchos años trabajando con el tema de las montañas y admitió que continuará con éste "porque me da la oportunidad de experimentar". El lenguaje que maneja esta pintora manifiesta armonía en sus tonos conjugados, y su tendencia hacia las cosas naturales refleja su singular gusto por una arquitectura vieja y serena.

Basia Batorska nació en Bialowieza, Polonia. Esudió Filosofía y Letras en el Tecnológico de Monterrey. A partir de 1971 su trabajo (forjado a base de disciplina y lógica, "elementos necesarios crear"), se ha exhibido en diversas exposiciones individuales y colectivas, llegando a sumar más de 68.

"Las catedrales de Basia Batorska", representan un compendio de 58 grabados, realizados exclusivamente para esta muestra. Temas: montañas, dunas, mareas eclipsadas, relieves románticos, tonos, tierras y fuertes inspiraciones naturales.

 

1

Expresiva, amable y directa, Basia Batorska se asombra ante las cosas cambiantes, evolutivas, se inclina por las obras que no permanecen estáticas, para ella no existen los límites, por eso su gusto por la variación.

Abstracta, híbrida y figurativa, los términos para denominar su obra le dan lo mismo, y todos los asume con objetividad. Admite que hay distintas maneras de ver las cosas "y todas son interesantes y respetables".

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Perla Schwartz

1988

 

BASIA BATORSKA Y SUS MONTAÑAS

 

Allá, tras las montañas orientales,

surge de pronto el sol, como una roja

llamarada de incendios colosales,

y sobre los abruptos peñascales

ríos de lava incandescente arroja.

 

Manuel José Othón

 

Las montañas buscan alcanzar el cielo, sumergirse en su inagotable superficie y allí perderse. Las montañas y sus cimas, amplias, anchas, aparentemente inalcanzables, esas montañas que son presagio de los infinitos poderes de una naturaleza capaz de haber creado, con tierra y roca, una obra monumental.

Esas montañas son el Leitmotiv de la obra más reciente de la pintora Basia Batorska, misma que a partir del próximo jueves 10 de noviembre quedará expuesta en la galería del Centro Cultural de la Torre de Polanco de la Delegación Miguel Hidalgo de esta ciudad.

Una serie de acrílicos y dibujos conforman la serie de Basia, donde ella concibe a las montañas como si fuera catedrales. En ellas hay por una parte esos recuerdos de infancia, por siempre imborrables, de su natal Selva Negra en Polonia, la cual captó con esos ojos de asombro, con que el niño va capturando su entorno; y, por otra parte, está la Sierra Madre del Norte, cercana a Monterrey, donde la artista pasó una buena parte de su vida.

Hoy, con la nostalgia creada por una atmósfera de asfalto, grises y suciedad paisajística como sucede al vivir en la ciudad de México, Basia se enfrenta al lienzo en blanco, recuerda los apuntes de las montañas, y en su oscilación que va del realismo al sueño, en un viaje de ida y vuelta, donde ambas aproximaciones perceptivas se confunden, tiene acceso al surgimiento de sus montañas épicas, donde también está la presencia de un poeta que en el siglo pasado, supo cantarle a los montes, Manuel José Othón:

Media noche. Se inundan las montañas

en la luz de la luna transparente

que vaga por los valles tristemente

y cobija, a lo lejos, las cabañas."

En el caso de Basia Batorska, las montañas, rara ocasión, no cobijan cabañas a lo lejos, sino más bien se encuentran ceñidas por el color intenso, preciso; sea el ocre o el morado que cae como un manto protector, sea el café o el amarillo que son convocados, lo importante es dar cita en el cuadro a ese paisaje guardado celosamente en la memoria, que al pasar por el cedazo del recuerdo y sus correspondientes erosiones, adquiere otro tipo de dimensión.

Para su muestra de "Las montañas épicas", el pintor José Luis Cuevas escribió: "La contemplación de los cuadros de Basia me han dejado en un estado de asombro. Se apodera de mí la impresión de lo ya visto. Pero yo nunca he viajado en "El regiomontano", para detenerme en la Sierra Madre del Norte, por consiguiente no he contemplado lo que Basia vio y anotó. Lo que sí es probable es que en alguno de mis sueños hayan aparecido estos paisajes, los que posiblemente Basia también soñó".

Los acrílicos de Basia Batorska son, por lo tanto, esa conjunción tan necesaria en el auténtico arte de ser espejo de la realidad, pero también síntesis de la sensibilidad del creador para enfrentarse con su entorno. Son, sus montañas épicas, una aproximación definitiva a la magia de un pincel del cual van surgiendo los trazos con la certeza de así crear un microcosmos donde todo es posible, incluso: el poder abrazar la inmensidad.

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Salvador Elizondo

1972

 

¿GRABADOS O PINTURAS?

Suele decirse, para elogiar la obra de un pintor,
que está llena de misterio. Cuando las formas que la configuran no hacen un total narrativo o cuando menos misterioso, se dice de ellas que son "abstractas" o “no figurativas". Pero qué mejor elogio de una obra pictórica que decir que es diáfana y concreta.
 

Reside en la conjunción de esas dos virtudes la verdadera pureza
de estas construcciones que obtienen, además, una gran riqueza expresiva de la combinación de diversas técnicas tenidas por inconciliables.

¿Son grabados? Sí, en lo que respecta a la estructura tectónica invariable, resultado de la aplicación de un esfuerzo físico que se traduce en una presión de media tonelada por centímetro cuadrado.
 

¿Son pinturas? Sí, en la medida en que sobre la trama invariable que el grabado ha producido se va desarrollando un delicado drama cromático espontáneo, emotivo, variable.

Si la destreza de la artista está en la estructura, su emoción está en el juego de colores que puede jugar en ese tablero.
 

¿Cómo ha obtenido Basia esta conjunción? ¿Cuál es el método que subyace a estas combinaciones? Yo pienso que por un procedimiento de composición musical. Pienso que estos objetos pictóricos son como músicas táctiles sólo aprehensibles por la vista.

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Salvador Elizondo

1975

BASIA EN VARSOVIA

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La sabia providencia que rige el eterno retorno ha querido que, después de años de crecimiento en tierras adoptivas, la planta devuelva, en exótico y rotundo fruto, los bienes que obtuvo del lugar en donde brotó.

Se cumple con esta exposición de Basia Batorska en Varsovia el rito recurrente de una especie de vuelta a los orígenes, enriquecido el retorno con la experiencia de cielos, de soles y de luz diferentes.

El curioso espectador de estas obras visuales a las que ningún nombre convendría mejor que el de impronte no dejará pasar inadvertidas algunas de sus cualidades más interesantes.

En lo que se refiere al color, por ejemplo, es evidente la superposición de planos cromáticos; como si se pudiera distinguir una gama de fondo que subyace a un primer plano en gama de colores complementarios. Lo que llama la atención de este procedimiento es que esa yuxtaposición de dos registros de color diferentes no está dada por transparencia de las capas de pintura, ya que estas son todas opacas, o por la múltiple impresión de una misma placa con diversos colores transparentes y planos, sino por la presión mecánica, en un solo paso por los rodillos de la prensa, lo que crea un relieve concreto y real en el plano pictórico y no solamente una figuración de relieve por el claroscuro o por la manipulación de la dirección de la luz.

La textura, es decir el conjunto de posibilidades de sensación por las que un estímulo visual puede estar dirigido a una célula de percepción táctil, se ve no sólo agradablemente confundido sino también ampliado. La textura, en fin, no solamente se manifiesta por el color que figura el relieve sino también por el relieve real. Estas condiciones saltan a la vista.

Pero no es sólo en las cualidades materiales de estos grabados sui generis en las que hay que pararse. De la misma manera en que los tonos opacos se vuelven transparentes gracias al relieve real que el pintor ha dado a la superficie sobre la que se desarrolla su trabajo, su ánimo y su disposición particular se conjugan en una sucesión simultánea —valga esta expresión redundante para definir el fenómeno—- por la que podemos percibir esa conjunción de lirismo, de espontaneidad, de cercanía a la naturaleza y a las cosas físicas que la componen, tanto como el empeño del artista para desentrañar, mediante esas figuras tangibles y visibles a la vez, la raíz abstracta de las cosas concretas.

Una sensualidad firmemente arraigada en los hechos que componen el complejo de la materia y un sentimiento inmediato del valor de las percepciones intangibles, se aúnan en estas obras que en su indefinición y misterio técnico nos revelan la tentativa de una síntesis digna del más alto elogio que podemos hacer de una obra de arte: el del silencio que su contemplación nos inspira.

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